其实两者学的东西都完全不一样的。纯艺术一直在画画，根据自己的想法去画，做自己喜欢的东西。要创作一幅好的作品要了解很多东西。
设计是为别人服务的，不是自己想做什么就做什么，客户要求你改就要改。
如果要说它们之间有联系也可以， 很多时候设计的灵感都要来源于生活的一部分。而纯艺术那边就会很了解很多东西，我个人认为两者结合可以做出很好的设计出来的。
纯艺术:将事物、想象物经过主观处理表现出来的的行为。 表象的是作者的感受，并能让观者感受的东西。（例：毕加索的自画像：表现了作者点当时内心的悲痛。他的用色、用笔、内容都能使我们感受到这种感情。） 艺术： ①用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，包括文学、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺等等。 ②富有创造性的方式、方法。 ③形状独特而美观的。 我感觉纯艺术就是书法，绘画，艺术性的歌曲音乐等。艺术的包括就比较大了，包括设计，创意，包装等等，当然还包括上面说的纯艺术了。 所谓书法，说得通俗一点，就是用毛笔写字，它当然是一种艺术，写好字的艺术，把字写得美观的艺术。这种艺术其实不应该比用钢笔或铅笔写字更玄虚，更不应该是一种彻底摆脱实用功能的纯艺术。 人们常说，书画同源，一谈到书法，便往往要谈到绘画，也就是中国式的绘画，因为二者使用的工具有相同的地方。但如果将书法与绘画稍作比较，就可以看出二者之间存在着一个根本区别，这个区别其实就是纯艺术与实用艺术的区别。 绘画可以不需要什么实用的功能，现在的写意画更是为绘画者提供了无限的创造空间，一件绘画作品可以没有具体实在的内容，创作者根据自己的愿望、技能，和材料的性质，想怎么画都行，他完全可以不在乎他所要表达的意义被不被人理解，他的作品被不被人欣赏。另外，他画物体时，虽然有常规的用笔先后，但也可以不遵守常规的先后次序来进行创作，他可以先画树干后画枝叶，也可以先画枝叶后画树干，可以从头到尾地画一匹马，但如果愿意，也不妨从尾到头地画。画得像了，你不妨说栩栩如生；如果画得不像，你说他的基本功不过关，别人却可以说他得其神而遗其形。对于绘画，你允许有自己看不明白的东西，允许有画得不像的东西，你可以整体上欣赏一件作品，也可以从自己愿意的任何一点开始看；如果你是外行，你就不要妄加评论。而书法，情况就不一样了，说得通俗一点，书法再怎么是艺术，还是在写字，它无论如何也不能摆脱掉写字所具有的与人进行交流沟通的功能。既然是写字，首先要有具体实在并能让人看懂的内容，既然要让人看懂，就不能写出错字来；内容虽不说一定要积极向上，但至少不能诲淫诲盗，即使是现代派的书法，恐怕也不应公然写出一些不雅的字；然后就是要写得好看，至少是不难看。从事这种艺术的人不论怎么有艺术的独创性，有艺术家的才气和自由，都不得不从第一个字的第一笔依顺序写到最后一个字的最后一笔，即使整件书法作品只有一个最简单的“一”字，他也必须像所有人一样从这个字的左边开始写。而不管你会不会写毛笔字，懂不懂书法这门高深的艺术，只要你识字、写字，你其实就已经参与了书法这种实用性的艺术，你就有权评论一件书法艺术作品，有权指责和嘲笑一个不论多么“有灵气”、“有个性”的书法家写出的让你觉得不美，觉得不知所云，甚至是觉得不舒服的东西。 最近在网上看到一篇文章，有句话很深刻，“设计不是艺术”。说的就是商业设计和纯设计的区别，其实就是一个定位的问题。商业设计是一种妥协的，沟通的艺术。而纯艺术完全是一种自我的表现。而我们做为一个商业设计师，很多时候就是以纯艺术的眼光去考虑客户和考虑自己的作品。这是一个很错误的想法。实际上，客户更了解自己想要的是什么，更能体会自己客户的想法。不过他们苦于没有一种很好的表达方式----设计。所以我们的工作其实就是把客户的想法通过沟通表达出来。这个算是一个比较合格的设计师。设计不能离开生活，这是设计艺术与纯艺术的最大区别。 人类的物质创造在这一百年里超过了过去全部历史的总和，我们的生活没有理由不变。 在这个问题上，当代艺术和当代设计所面临的问题是共同的，生活的不如意是精神的不如意的根源。 在批量化的工业产品流通渠道中，渴望占有和无所适从并存。庸俗的设计，扮演着一个娼妇的角色，而标榜文化的、前卫的设计，以它肤浅的玫瑰色，做着无谓的安慰。
巴洛克艺术与洛可可艺术的共同点与不同点？
巴洛克是17世纪广为流传的一种艺术风格。它的名称由来，说法不一，一说来自葡萄牙或西班牙语，意思是不圆的珠子；又一说它来自意大利语，有奇特、古怪或推论上错误的含义。总的来说这个名称在当时含有贬意，是18世纪古典主义艺术理论家对于上一个世纪一种艺术风格的称呼。巴洛克艺术的特点：洛可可美术特点是具有纤细。轻巧。华丽和繁缛的装饰性，曲线趣味，常用Ｃ形、Ｓ形、漩涡形等曲线和艳丽浮华的色彩作装饰构成。构图非对称法则，而是带有轻快、优雅的运动感。色泽柔和﹑艳丽。崇尚自然-人物意匠上的谐谑性﹑飘逸性，表现各种不同的爱，如浪漫的爱、性爱、母爱等。爱用白色和金色的组合表现于绘画和雕刻上。以法式轻快优雅使绘画摆脱了宗教题材的神秘和压抑。建筑主要表现在室内设计方面，他具有反古典主义的特点，追求奢华，轻盈，精致，繁复。在造型上，一不对称代替对称，一曲线代替直线和水平线。 洛可可是法文“岩石”的复合词，意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。他们同样有着华丽奔放，充满了宫廷生活的奢靡气息，因此成为专为贵族服务的艺术。 洛可可曲线趣味，常用Ｃ形、Ｓ形、漩涡形等曲线和艳丽浮华的色彩装饰为造形的装饰效果。构图非对称法则，而是带有轻快、优雅的运动感。色泽柔和﹑艳丽。崇尚自然。人物意匠上的谐谑性﹑飘逸性，表现各种不同的爱，如浪漫的爱、性爱、母爱等。洛可可艺术体现了宫廷女权高涨时期的特点，注重精致，纤细的秀美的装饰效果。 最后：二者的时代背景也不同。
西方艺术与中国的艺术有什么区别？
1.背景比较:
西方当代艺术脱身于现代艺术，20世纪战争频仍，人类遭受前所未有的大规模战争摧残，于是催生了探讨存在的意义的人本主义哲学，加之工业文明的大规模扩张，完全改变了人们的生活状态，于是诞生了现代艺术诸流派及二战后的后现代艺术诸流派，当代西方艺术基本是属于后现代艺术范畴的。（这里说的当代艺术是针对比较先端的艺术思潮而言，而不是针对艺术品市场。）
中国当代艺术的诞生背景是，20世纪中后期，在结束了战乱之后，中国又经历了文革的洗礼，遭受前所未有的对人性的摧残，加之教育的荒芜，之后又经历了市场经济洗礼，和八十年代改革开放带来的西化热潮，短时间内接触到大量来自发达资本主义国家的商业及文艺资讯，于是催生出了当代中国艺术。
2。发展比较：
西方当代艺术是大部分建立在本土传统艺术基础之上的，19世纪末东西方贸易交流曾打开了一扇通向东方的窗，使艺术家吸纳了大量东方艺术语言，并将这种语言和一些当时活跃的哲学思潮成功结合，可以说现代艺术是一种文化碰撞的结果，这种结果在形式上表现为在西方语境下融合了东方语素。这种舶来，后来又逐渐被内化，整合成西方当代艺术的独特语言。
中国当代艺术的诸多表现形式客观来看是以舶来为主，包括油画，在中国历史尚短，体系尚十分不健全。经过文革的洗礼，社会长期对严肃艺术持毁灭态度，所以，中国艺术的东方语境名存实亡，基本上并没有构成文化层面上的融合，而是用西方人的眼睛去描述中国的一些事情。
从发展的角度来讲，西方艺术是持续发展且可持续发展，而中国当代艺术并非持续发展而来，也很难说可持续发展。
相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。
中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。
从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。
中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。
在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。
中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。
文艺复兴时期的建筑艺术与风格
1.建筑
文艺复兴建筑是欧洲建筑史上继哥特式建筑之后出现的一种建筑风格。十五世纪产生于意大利，后传播到欧洲其它地区，形成带 了有各自特点的各国文艺复兴建筑。意大利文艺复兴建筑在文艺复兴建筑中占有最重要的位置。
文艺复兴建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。
文艺复兴时期的建筑师和艺术家们认为，哥特式建筑是基督教神权统治的象征，而古代希腊和罗马的建筑是非基督教的。他们认为这种古典建筑，特别是古典柱式构图体观着和谐与理性，并同人体美有相通之处，这些正符合文艺复兴运动的人文主义观念。
但是意大利文艺复兴时代的建筑师绝不是食古不化的人。虽然有人(如帕拉第奥和维尼奥拉)在著作中为古典柱式制定出严格的规范 。不过当时的建筑师，包括帕拉第奥和维尼奥拉本人在内并没有受规范的束缚。
他们一方面采用古典柱式，一方面又灵活变通，大胆创新，甚至将各个地区的建筑风格同古典柱式融合一起。他们还将文艺复兴时期的许多科学技术上的成果，如力学上的成就、绘画中的透视规律、新的施工机具等等，运用到建筑创作实践中去。
在文艺复兴时期，建筑类型、建筑形制、建筑形式都比以前增多了。建筑师在创作中既体现统一的时代风格，又十分重视表现自己的艺术个性。总之，文艺复兴建筑，特别是意大利文艺复兴建筑，呈现空前繁荣的景象，是世界建筑史上一个大发展和大提高的时期。
一般认为，十五世纪佛罗伦萨大教堂的建成，标志着文艺复兴建筑的开端。而关于文艺复兴建筑何时结束的问题，建筑史界尚存在着不同的看法。有一些学者认为一直到 十八世纪末，有将近四百年的时间属于文艺复兴建筑时期。另一种看法是意大利文艺复兴建筑到十七世纪初就结束了，此后转为巴洛克建筑风格。
意大利以外地区的文艺复兴建筑的形成和延续呈现着复杂、曲折和参差不一的状况。建筑史学界对其它各国文艺复兴建筑的性质和延续时间并无一致的见解。尽管如此，建筑史学界仍然公认 ，以意大利为中心的文艺复兴建筑，对以后几百年的欧洲及其他许多地区的建筑风格都产生了广泛持久的影响。
其它建筑风格及流派
巴洛克建筑、法国古典主义建筑、哥特式建筑、功能主义建筑、古典复兴建筑、古罗马建筑、浪漫主义建筑、罗曼建筑、洛克克风格、文艺复兴建筑、现代主义建筑、后现代主义建筑、有机建筑、折衷主义建筑
http://ez.sm.fj.cninfo.net/2003yjxlw/%CE%C4%D2%D5%B8%B4%D0%CB%CA%B1%C6%DA%B5%C4%BD%A8%D6%FE%D2%D5%CA%F5.htm<更详细的资料>
2.风格
http://27ji.bokee.com/3867230.html
http://www.arch-world.cn/article/article.asp?sn=08090805-20040920-0016
这些是文艺复兴时期的艺术风格
以上资料希望能对你有帮助，好运。。。
文艺复兴时期艺术作品的特点
我给你简单的说说吧 文艺复兴的艺术有一个显著的特点：现实与人文。文艺复兴所有的创作大都围绕着这个主题。这包括了人的感观，人的信仰，人的性欲，以及人的世界观。这时期的作品都要求打破封建神权，打破封建的禁欲主义。打破封建制度对人精神甚至是肉体的封锁。这时期有很大部分的作品以宗教为主，许多评论说是借宗教作为盾牌。我反对这种说法，对西方世界稍有认识的人都知道，宗教信仰在西方是占据着他们很大一部分的生活。文艺复兴时期的宗教艺术，归根究底可以说是一种人的宗教艺术，而不是封建制度下教会的宗教艺术。这一点要首先明确。 而文艺复兴时期艺术技法上的特点，主要体现在以写实传真为首务，开创了基于科学理论和实际考察的表现技法，如人体解剖和透视法则等。在风格和技法上更注重色彩的协调和自然，不拘一格。在建筑艺术方面，它以恢复古典建筑传统为首任，同时着重探讨建筑美感的理性法则。 文艺复兴的分期及其主要代表人物： 意大利文艺复兴的开端（13世纪末－14世纪上半叶）：这一时期是艺术家们对新的艺术精神和元素的探索阶段。这时的艺术还不成熟，尚未形成理想化的规范，却能体现出艺术家们对新的艺术技法的追求。如何更真实地反映画面上的内容？成为当时意大利艺术家所关注的核心。于是他们开始着手研究古代雕刻，研究希腊罗马的绘画风格，形成了崭新的写实风格。对这种新风格起决定性影响的人，是佛罗伦萨画家乔托(Giotto di Bondone1266—1337)；其代表作有：《逃亡埃及》、《犹大之吻》等。乔托被视为西方绘画的开创性大师，他是第一个把写实风格和明暗远近法结合起来的艺术家，迈出了绘画中关键性的一步。此外，他还把优美的叙事同忠实的观察结合起来，使绘画不再是文字的简单图解，具有了独立的意义。但无可否认，乔托作为文艺复兴初始期的探索者，其对构图的空间关系，对色彩的处理，甚至对明暗对比等等技法仍然是比较幼稚的，但作为开创历史的先河，乔托对后世的影响还是受到世人的肯定的。 意大利早期文艺复兴的美术（15世纪）：意大利早期文艺复兴美术的进展构成了非常错综复杂的场景。这是一个许多地域性艺术流派诞生与繁荣的时期折射一个各种思潮积极地互相影响与展开斗争的时期。在这个百花争研的时代，注重空间透视表现和人物坚实造型，以及善用线条则是他们共有的特色。其中最著名的三位大师是建筑师布鲁内莱斯基、雕塑家多纳太罗和画家马萨乔。这里主要介绍画家马萨乔。马萨乔MASAccio（1401—1428）， 其代表作《出乐园》和《纳税钱》等；马萨乔的艺术成就标志着意大利文艺复兴时期绘画的繁荣期的到来。是文艺复兴时代绘画中现实主义的奠基者。马萨乔以科学探索的精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画。它的人物较之乔托的更加真实有力，同时他也是文艺复兴画家中第一个掌握透视法的人，第一个能在衣纹之下隐显人体结构的人和第一个广泛运用明暗对比手法的人。马萨乔还把风景放进他的构图，使风景具有壮丽的、概括的、真实的性质，他借助于风景来扩大画面范围，赋予画面以辽阔的空间感。他的贡献，其一在于以科学的态度对画面（人物）进行更真实的描写与刻画，其二在于把风景与人物互相配合，相得益彰。这为文艺复兴高潮的到来奠定了坚实的基础。 意大利文艺复兴盛期的美术（16世纪上半叶）：盛期文艺复兴是意大利文艺复兴的全盛时期，这时由于种种的社会及政治原因，艺术家们已不再满足于个人技巧和手艺，竞争激励他们在自然科学和文化艺术各领城中广泛探索，力争获取更大的成就。他们在前辈艺术家探索的基础上进行了概括和总结，使艺术在16世纪初达到了高度成熟完美的境界。不但题材从宗教内容扩大到现实生活，而且对自然景色也开始加以观注，他们塑造的形象更完美，更具有复杂的个性和心理待点。如果说早期文艺复兴艺术家主要探索透视、解剖等科学法则，那么盛期大师在把握了这些法则后不再受其限制，而是更强调视觉效果，探索作品的戏剧性和新的艺术语言。可以说，盛期的美术是艺术与科学的完美结合。这时期出现了许多经典的大师，如达．芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、布拉曼特、提香等等。他们不但把美术技法发展到前所未有的高度，而且对于美术理论的建设，也建下了不朽的功勋。这里选取画家达·芬奇（Leonardo Da Vinci 1452-1519） 作为主要介绍的对象，其代表作有《蒙娜·丽萨》和《最后的晚餐》等等，达·芬奇的天才不限于艺术，在数学、机械工程、医学、地质学等方面也有所反映。在美术方面，达·芬奇总结了15世纪艺术家的研究成果，在绘画构图、明暗、透视、色彩等方面都有所建树。他最独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感。，达·芬奇曾说过：“绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现出凹凸感。”他使用圆球体受光变化的原理，首创明暗转移法(亦称明暗渐进法)，即在形象上由明到暗的过渡是连续的，像烟雾一般，没有截然的分界，《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。而《最后的晚餐》的惊艳之处，更在于大师在画面中对人物表情的掌握，这是历史的创举，过去的美术作品，无论构图或画面的技巧如何，但对人物的表情刻画总显得僵硬呆板，大师作出这种历史性的创举，正是得益与大师对人体解剖学的深厚认识，对人体面部表情肌活动的掌握，以及对人体解剖及人体比例的深厚功底。此外，达·芬奇在美术理论方面也有许多卓越的见解。他认为：绘画优于其他任何艺术，因为它包容了世间的一切，画家的心就象镜子一样能真实地反映这个世界，把普遍的自然变为第二自然。可以说，达·芬奇不仅是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，也是世界美术史最卓越的代表人物之一。 此外还有另一个伟大的艺术家：米开朗基罗 (Michelangelonaroti 1475-1564年)。 过往在诺贝尔文学奖得主罗曼罗兰的《巨人三传》中，对米开朗基罗的人生有过深刻的描写。作为一个文艺复兴鼎盛时期的大师，他除了拥有绝顶的天才，超卓的成就，其与众不同之处，正是他生命中的悲剧色彩（这在罗曼罗兰的《巨人三传》 中自有详述，此处不再多提）。他经历人生坎坷和世态炎凉，使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。其雕刻方面的代表作有《大卫》、《摩西》等等，绘画的代表作有《创世纪》、《末日的审判》。在他的两幅经典壁画中，人物的繁多、磅礴的气势是一个显著的特征。但既便如此，每个人物所表达的故事仍然错落有致。充分表现了人物本身的性格特点，多而不乱。
结合所学知识谈谈你对古代文学艺术与时代特征之间的关系
时代特征与文学艺术特点之间的关系 社会存在决定社会意识，社会意识反映社会存在 一、 原始社会时期 时代特征：1、社会生产力低下，人们对自然的认识极为有限 文学艺术：文字：陶器刻符 绘画：岩画、陶画——线条稚拙、颜色图案简单，质朴粗犷浪漫 戏剧：傩——带巫术色彩 二、 春秋战国 时代特征： 1、经：生产力发展，井田制崩溃，封建经济兴起底层人民生活艰苦 2、政：分裂战乱，逐渐具有统一趋势；社会处于大变革时期，奴隶制崩溃，封建制度逐步确立 3、思：思想领域活跃，百家争鸣，思想解放 文学艺术： 书法：汉字使用更广泛，但出现异体杂出、一字多形的混乱状况 绘画：帛画，毛笔绘制 文学：《诗经》——现实主义源头 楚辞——浪漫主义源头 戏剧：傩成为国家祭祀和礼仪的组成部分 三、 秦汉 时代特征： 经：封建经济初步发展，汉代国力强盛 政：国家统一，政治稳定 思：秦以法家思想治国， 汉思想大一统，儒家独尊 文学艺术： 书法：秦以小篆统一文字，后来推广书写更简便的隶书篆书、隶书具有书法美感，为自发性艺术，但多为实用性文字秦汉印章 绘画：浪漫、神秘、古拙 文学：汉赋——带韵、铺陈排比、文采华丽 戏剧：宫廷宴乐、杂技百戏 四、 魏晋南北朝（重视神韵） 时代特征： 政：社会动荡，引发人们对两汉儒学进行反省， 士人政治上进取无望，将个人情感融入文艺中 思：佛教传入、道教发展、人们崇尚自然，玄学兴盛，思想自由一个特立独行的士人群体逐渐形成 文学艺术： 书法：汉字发展为自觉的书法艺术，书法成为士人表达自我的理想形式 王羲之行书，追求意境、神韵、风骨 绘画：文人画——凸现个性 顾恺之——“以形写神”《女史箴图》、《洛神赋图》 文学：诗歌、志怪小说 五：隋唐（重视法度、表现雍容） 时代特征： 经：经济繁荣 政：国家统一、社会安定，民族融合，中外交流频繁；社会步入正轨，需要规制与法度 门第士族衰落，寒族崛起 思：科举制使中下层文人有了上升机会具有大国盛世之风，有开拓进取的精神状态 文学艺术： 书法：书法艺术达到新的高峰，风格多样重视规范法度书法理论日趋成熟 楷书：颜筋柳骨 草书：颠张狂素 绘画：创制法度，表现雍容华贵的盛世之象 画圣吴道子：《天王送子图》 文学：古典诗歌辉煌繁荣，派别众多，韵律工整 唐传奇 戏剧：梨园，歌舞戏具有情节性、叙事性和戏剧冲突 参军戏 五、 宋（雅文化重意趣、世俗文化发展） 时代特征： 经：坊市界限打破，日市晓市相连，商业繁荣、城市发展，市民阶层兴起 经济重心南移 政：国家局部统一，但南宋偏安 思：重文轻武，教育普及，科举完善，文人阶层壮大，理学兴起，文人注重心性情趣的修养和哲理思考，随着物质生活丰富，平民的精神文化需求提高 文学艺术： 书法：追求个性忽略法度，倡导有意无法(苏、黄、米、蔡、赵佶) 绘画：文人山水画画家的追求从注重写实变为更加注重意境（马远、夏圭） 民间风情画出现。张择端：《清明上河图》 文学：宋词流行分婉约派和豪放派、话本小说 戏剧：出现“瓦舍”——专门的娱乐场所 南戏——用多种手段演出完整的故事情节，具有完备的戏曲形式 《荆钗记》、《白兔记》、《拜月亭》、《杀狗记》、《琵琶记》 六、 元 时代特征：经：商品经济发展，城市繁荣，市民阶层壮大 政：统治黑暗、社会弊端丛生 思：科举废弛，知识分子地位低下，汉族文人进取无望 文学艺术： 绘画：文人画盛行 文学：元曲 戏剧：元杂剧标志中国古代戏曲成熟《窦娥冤》《汉宫秋》、《梧桐雨》、《倩女离魂》、《西厢记》 七、 明清（雅文化重个性风格、世俗文化繁荣） 时代特征： 经：商品经济繁荣，资本主义萌芽产生，工商市镇兴起，市民阶层壮大 政：封建制度渐趋衰落，君主专制发展到顶峰，社会弊端丛生 思：思想文化专制，八股取士,教育进一步普及，中下层文人众多 明末清初批判继承儒学，抨击专制、推重工商、崇扬个性 民间文化繁，社会平民化、世俗化 文学艺术： 书法：更强调个性化，篆刻发展成书画的姊妹艺术 绘画：风格奇特、不拘一格,文人画占据主流，写意画和山水画盛行出现木刻版画、年画、布贴画、剪纸画，更具有生活上的实用性 文学：章回体小说为主流——内容上反封建、反映商品经济发展 风格上批判现实主义和浪漫主义并 《三国演义》、《水浒传》、《西游记》、《金瓶梅》、“三言二拍”、 《红楼梦》、《聊斋志异》、《儒林外史》 戏剧：明代和清初昆曲兴盛，清初京剧形成 ,地方戏繁荣。
欢乐英雄